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Archive for the ‘Cine’ Category

Diccionario Burroughs

Ano, beats, ciempiés, exterminador: breve glosario para ver “Naked lunch” de David Cronenberg.

Por Andrés Hax.

Está disponible en Netflix la película “Naked Lunch”, de David Cronenberg. Aunque lleva el mismo título de la novela más famosa de William Burroughs, no es una adaptación sino una meditación fílmica de la vida y la obra del padre de los beats. Por supuesto, se puede ver sin saber nada del complejo y bizarro universo de Burroughs —o mejor aún: como una introducción a esa vida—, pero para quienes deseen unos puntos de referencia para orientarse en esta obra fundamental del imaginario cronenbergeano, ofrecemos un breve glosario.

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David Foster Wallace habría odiado “El fin del tour” con cada átomo de su ser.

Por Andrés Hax.

1.

David Foster Wallace escribió la última gran novela del siglo XX. A su manera, La broma infinita es una novela tan ambiciosa, enciclopédica y poética como Ulises, de James Joyce —la primera gran novela del siglo XX. Wallace, como Joyce, quería meter un mundo entero en el libro, quería forzar el género hasta un límite previamente inalcanzado. Por la extensión, más de mil páginas, de las cuales casi cien son pies de páginas, es un libro tal vez más comentado que leído. Cuando uno ve que ¡hasta los pies de página tienen pies de página! es comprensible pensar que es un libro prohibitivamente erudito. Pero no es tan así. A pesar de su monumentalidad, es un libro gracioso y entretenido. Tiene más en común con J.D. Salinger o John Kennedy Toole que Thomas Pynchon o Don DeLillo.

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Qué muestra la pantalla grande cuando adapta las novelas de Philip K. Dick.

Por Andrés Hax.

1. ¿Aparte de ser cineastas, qué tienen en común Ridley Scott, Steven Spielberg y Richard Linklater?

La respuesta parecería ser nada. Scott, un inglés nacido en 1937, es un especialista en ciencia ficción oscura y películas históricas épicas (aunque también filmó clásicos modernos como “Thelma & Louise” y “Black Hawk Down”). Spielberg es Spielberg. Nacido en 1946 es el gran cineasta popular de nuestra era. Y Linklater, nacido en 1960, es un cineasta independiente capaz de producir un hit como “School of Rock”, pero más cómodo en minuciosas exploraciones de relaciones humanas afectadas por el pasar del tiempo, como su trilogía con Ethan Hawke y Julie Delpy (“Antes del amanecer”, 1995; “Antes del atardecer”, 2004; y “Antes del anochecer”, 2013) o su muy reciente “Boyhood” (2014) que fue filmada con los mismos actores a través de 10 años, para mostrar el crecimiento de su protagonista —junto a su familia— desde la niñez hasta el comienzo de la adultez.

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Cuando las metáforas llegan a un límite, la única manera de continuar un texto es a través de las imágenes. Sobre la relación entre Bruno Shulz y los hermanos Quay.

Por Andrés Hax.

1.

En una serie artículos anteriores, hemos argumentado que ver la adaptación cinematográfica de una novela —aunque sea infiel o hasta defectuosa— puede ser una buena forma de iniciar una relectura del texto en cuestión. El cineasta y el novelista son, al fin, ambos narradores, por más que la materia prima con cual trabajan es drásticamente disimilar. Para reducirlo a sus nivel atómico, podríamos decir que el cineasta trabaja con luz y el escritor con letras. Y que a nivel macro ambos son creadores de mundos. Puede que pienses en Fellini o en Kafka, en Tarkovsky o en Virginia Woolf (para tirar nombres de manera totalmente aleatoria), pero lo que recuerdas es un mundo, un lugar real que has visitado. El cine y la literatura crean residuos de realidad en nuestra imaginación que compiten con las memorias de lo que llamamos la realidad.

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¿Quién continúa el mundo de JD Salinger?

Por Andrés Hax.

1.

El propósito de esta nota es compartir una intuición. Llamarla tesis sería demasiado ambicioso. Una tesis se tiene que comprobar sistemáticamente y con rigor académico; acá nuestra intención es sugerir la ampliación de un mundo literario que aparentemente estaba cerrado. La única comprobación necesaria de esta propuesta es que el lector o la lectora la sienta real; que al hacer el experimento que proponemos se le abra un nuevo mundo que nunca sospechaba que existía, aunque estaba delante de sus ojos todo el tiempo.

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El vengador del futuro, El resplandor, Últimos días de la víctima y más.

Por PZ.

Contaba Julian Barnes que cuando Marion Vernoux le dijo que estaba haciendo la peli de Hablando del asunto, él le preguntó “¿Me traicionaste?”. “Sí”, dijo Vernoux. “Entonces la película va a salir bien”. Lo cierto es que con o sin traición, la película no alcanza al original. Y eso es algo que sucede en la gran mayoría de los casos. Pero no siempre. Aquí siete ejemplos de cuando las imágenes le ganan a las palabras.

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La intensidad de la mirada en estos autores sugiere que la adolescencia recordada tiene las características de un paraíso perdido y también las del expediente de un crimen no resuelto.

Por Andrés Hax.

1

En uno de sus cuadernos el filósofo y aforista rumano E. M. Cioran anotó:

No leer a los escritores de los que se habla.
Leer únicamente por necesidad y por azar, según se presente. Casi todos los libros que he leído por recomendación de tal o cual artículo no han tenido futuro. Fenómenos de época y nada más.
Vale más leer por gusto a un autor superado que por esnobismo a un autor de moda. En el primer caso, nos enriquecemos con la sustancia de otro; en el segundo, consumimos sin provecho.

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La conexión entre América latina y el sur de los Estados Unidos se encuentra en la figura oscura de Robert William Chambers.

Por Luciano Lamberti.

García Márquez decía que el sur de Estados Unidos se parecía a Latinoamérica. Quizás por lo exótico de su vegetación, por el fanatismo de su religión, por lo monstruoso de su naturaleza que termina invadiendo las ciudades y metiéndose en las casas y llevando a sus habitantes a destinos siempre ligeramente trágicos, definitivamente enloquecedores y brutales. (Muy enojado con García Márquez por el solo hecho de vender más, Saer diría después que “hay que merecerse las influencias” y que el colombiano no tenía un pelo Faulkner).

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Sobre Intemperie, documental de Miguel Baratta sobre el pintor Eduardo Stupía. Este jueves a las 17 en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín, última función en el marco del BAFICI 2015.

Por Matías Serra Bradford.

Stupía Estudio

Un ojo frío se asoma a la casa de alguien que acaba de morir. Cuartos enmudecidos, cuadros apilados contra los zócalos. Asistimos a la inofensiva consagración fetichista de los objetos de un pintor. La pintura lo tiene todo –materialmente– para mitificarse como oficio. Es otro –un doble– el que está en lugar del ausente. Vaga por un laberinto irregular, levantado precariamente, a fuerza de mesas ahogadas en papel, torretas de cajas, estantes combados como cuencos. Bucea algo que no puede adivinarse. Tal vez llegó, precisamente, para ordenar las estampas y papiros del fugado. Imposible recatalogar esa cadena montañosa de resmas accidentadas, impresas en siglos más esmerados. Recortes casi imposibles de montar, acaso por eso dedica horas al collage. En estas habitaciones acampan grietas tectónicas y capas geológicas de tiempo, pero el gemelo no trajo consigo un sismógrafo (también le sería útil más adelante, para los cuadros del homenajeado). Un enciclopedista amateur, un loco disciplinado, tamborilea con los dedos para pensar. La cortesía del mutismo frente a los collages; la cortesía de la falta de teorización. (más…)

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¿De qué manera puede la adaptación al cine de La carretera por el director australiano John Hillcoat acercarnos al texto de la novela de Cormac McCarthy? ¿Puede ayudarnos a apreciarla de una manera más profunda aun que con la lectura del texto en sí mismo?

Por Andrés Hax.

1.

La última novela que publicó Cormac McCarthy, en el 2006, La carretera, fue su décima. A los 81 años, se sabe que está trabajando en por lo menos una más, titulada provisoriamente The Passenger. Pero no hace falta. Su obra está completa. Esos diez volúmenes (además de dos obras de teatro, un teleplay y un guión de cine) trazan una línea narrativa de principio a fin de gran perfección, casi como si hubiera sido premeditada. Arrancan por el mundo rural de Tennessee en el cual protagonistas abyectos cometen actos brutales como necrofilia e infanticidio. En su centro esta la obra maestra Meridianos de sangre (1985) que relata las violentas y psicóticas aventuras de una banda liderada por un ilustrado pero depravado “juez”: cazan nativos americanos como parte del genocidio, promocionado por el mismo gobierno de los EEUU para despoblar la frontera en preparación de su asentamiento. La trilogía de la frontera (Todos los hermosos caballos, 1992; En la frontera, 1994; Ciudades de la llanura, 1998) es un western digno de los grandes novelistas rusos del siglo XIX; mientras que la penúltima novela, No es país para viejos (2005), podría ser leída como un western contemporáneo en el cual el narrador, un sheriff –veterano de la Segunda Guerra Mundial– literalmente ya no comprende el mundo por la intensidad de la violencia de los crímenes que le toca investigar.

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Sobre el ensayo Siempre nos quedará París. El cine y la condición humana, de José Pablo Feinmann (Ed. Capital Intelectual).

Por Patricio Zunini.

De las más de 150 películas que José Pablo Feinmann nombra en Siempre nos quedará París (Ed. Capital Intelectual), sólo 12 son de este siglo: tres veces menos que la cantidad de películas del cincuenta. Si se tiene en cuenta, además, que 4 son de Woody Allen —el libro tiene varios capítulos dedicados a él—, que algunas aparecen se las menciona casi como a pie de página y que la cantidad de películas europeas y argentinas es muy exigua, la conclusión a la que se llega es que el cine, para Feinmann, tiene lugar y fecha: Hollywood, a mediados del siglo XX.

Esta idea se subraya tanto desde la portada —una composición a partir de un fotograma de Cantando bajo la lluvia (1952)—, como desde el título: Siempre nos quedará París, dice Feinmann en el prólogo, «es una de las frases más hermosas jamás dichas en el cine y en la vida. Se la dice Bogart a Bergman en Casablanca, en el momento en que, saben, se separan para siempre».

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La epopeya-fábula que es la película Jauja (dirección: Lisandro Alonso, libro: Fabián Casas, protagónico: Viggo Mortensen), es plenamente argentina pese a que la protagonicen, la narren o la imaginen unos daneses, ya que la tradición argentina quizá sea más espacial que temática.

Por Antonio Jiménez Morato.

La vida esconde casualidades que parecen entresacadas de un mediocre relato de Auster –perdón por la redundancia– y, pese a ello, uno se empeña en convertir en esclarecedores epifanías escondidas en un relato de Borges. A veces sucede.

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En Adiós al lenguaje, Jean Luc Godard construye una película que no puede definirse como literaria pero que sin dudas está dirigida por un lector.

Por Leonardo Sabbatella.

“En mi época, hacer cine era muy moderno”, confesaba Eric Rohmer durante una entrevista hacia el final de su carrera. Para Jean Luc Godard esa época aun no se extinguió. Adiós al lenguaje es al mismo tiempo un testamento fílmico y la muestra de que el director de Sin aliento sigue filmando películas radioactivas. Esta vez, se vale de una pareja de amantes, un perro que vagabundea (recuerda al burro de Bresson), un puñado de citas literarias y escenas enrarecidas, para entregar setenta minutos de un cine que fuerza sus límites.

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